Devant l'œuvre
Ce tableau demande qu'on en fasse le tour, au sens propre : il est peint sur ses deux faces. D'un côté, Morgante avant la chasse ; de l'autre, le même homme vu de dos, après. On comprend tout de suite l'intention : montrer qu'un peintre peut, comme un sculpteur, faire le tour d'un corps, et donner en plus la couleur et la chair. C'est une réponse au grand débat de la Renaissance, le paragone, qui opposait peinture et sculpture. Il faut présenter le modèle : Braccio di Bartolo, dit Morgante, nain et bouffon à la cour de Cosme Iᵉʳ, personnage connu de tous à Florence, dont le surnom moque plaisamment un géant de roman. Bronzino le peint nu, en chasseur d'oiseaux, car la chasse au petit gibier était tout ce qu'on lui concédait, le gros gibier restant réservé aux gens de rang. On montrera le rapace qu'il tient comme appât et l'oiseau qui vole au-dessus. L'important est de faire sentir le sérieux du traitement : pas de moquerie, mais une étude attentive de la chair et des volumes, dans une lumière froide qui modèle le corps comme un relief. On rappellera au passage que ces personnages avaient leur place dans toutes les cours princières. Enfin, on racontera le destin du tableau : jugé trop cru au XIXᵉ siècle, il fut repeint en Bacchus, avec vigne et grappes, et resta ainsi déguisé plus de cent ans. Une restauration récente a retiré ces ajouts et rendu au personnage son identité première, révélant au passage des détails longtemps cachés, dont des papillons. C'est donc une œuvre deux fois exceptionnelle : par son dispositif recto-verso et par sa résurrection. On rappellera pour finir que ce corps nu, traité avec un tel sérieux, n'avait rien d'une plaisanterie : Bronzino y voyait un sujet d'étude aussi digne que le visage d'un prince, et c'est cette dignité rendue à un personnage subalterne qui frappe aujourd'hui, davantage peut-être qu'à l'époque.
Symbolisme & lecture iconographique
La nudité du modèle est le premier élément à lire. Inhabituelle dans un portrait, elle inscrit l'œuvre du côté de l'étude du corps et de la statuaire antique, et sert l'ambition du peintre de rivaliser avec la sculpture en montrant sa maîtrise de l'anatomie. Le thème de la chasse donne la clé sociale de l'image : Morgante est représenté en chasseur d'oiseaux, activité modeste qui lui était réservée, la chasse au gros gibier restant le privilège des gens de rang ; le motif dit ainsi, sans mot, la place du personnage dans la hiérarchie de la cour. Le rapace tenu comme appât et l'oiseau en vol rappellent une pratique concrète tout en introduisant une petite scène de ruse et de patience. Le dispositif recto-verso lui-même porte un sens théorique : en offrant la face puis le dos d'une même figure, il matérialise l'argument du paragone selon lequel la peinture peut embrasser un corps dans sa totalité, comme le ferait la ronde-bosse, et le surpasser en lui ajoutant la vie de la couleur. La succession des deux faces, avant et après la chasse, introduit en outre une dimension de récit : le tableau ne fixe pas un instant unique mais déroule une petite histoire que le spectateur reconstitue en contournant l'objet, transformant la contemplation statique en parcours. Enfin, le fond neutre, dépouillé de tout décor, isole le personnage et transforme un bouffon de cour en sujet d'une démonstration artistique de haut vol, où l'humble devient le support d'une réflexion savante sur les pouvoirs de la peinture. La chasse elle-même, dérisoire au regard de celle des grands, fonctionne comme un signe doux-amer : elle divertit la cour tout en marquant, sans un mot, la distance qui sépare le bouffon des seigneurs qu'il amuse.
Analyse des émotions
L'œuvre déconcerte par son mélange de crudité et de gravité. Le corps nu, atypique, s'impose sans fard, et pourrait prêter à la gêne ou au rire ; mais le traitement de Bronzino, sérieux et attentif, désamorce la moquerie et impose le respect. La lumière froide et le modelé sculptural confèrent à la figure une dignité inattendue, qui tranche avec le statut de bouffon du modèle et oblige à le regarder autrement. Le dispositif recto-verso ajoute une forme de surprise, presque de jeu : découvrir la seconde face suscite la curiosité et transforme la contemplation en mouvement, impliquant physiquement le spectateur. De cette rencontre naît un sentiment ambigu, fait de familiarité et de distance, où l'humanité du personnage affleure derrière la démonstration de virtuosité, et où la peinture semble rendre justice à celui que la cour ne voyait que comme un divertissement.
Secrets & mystères
Le secret le plus spectaculaire de l'œuvre est resté invisible pendant plus d'un siècle. Au XIXᵉ siècle, la nudité de Morgante fut jugée indécente et le personnage recouvert de repeints qui le métamorphosaient en Bacchus, dieu du vin, orné de vigne et de grappes. L'identité première du tableau disparut ainsi sous un déguisement mythologique, et l'on crut longtemps regarder une scène antique. Ce n'est qu'au terme d'une restauration menée à l'époque contemporaine, au début des années 2010, que ces ajouts furent retirés et la composition d'origine rétablie sur les deux faces. L'intervention a également mis au jour des détails que les repeints masquaient, parmi lesquels deux papillons placés devant le sexe du modèle, retrouvés lors du nettoyage. L'autre énigme tient à la fonction exacte de ce portrait double, à son commanditaire et au moment précis de sa commande, qui restent discutés : on ignore pour quel lieu et pour quel usage un tel objet, fait pour être contourné, avait été conçu.
Le saviez-vous ?
Pendant plus d'un siècle, personne n'a su qu'il regardait Morgante. Au XIXᵉ siècle, sa nudité ayant choqué, on le repeignit en Bacchus : vigne, grappes et attributs du dieu du vin recouvrirent le bouffon pour rendre sa nudité acceptable sous couvert de mythologie. Le personnage ne retrouva son identité qu'au terme d'une restauration récente, qui effaça les ajouts et rétablit la composition d'origine sur les deux faces de la toile. Le nettoyage révéla même des détails oubliés, dont deux papillons peints devant le sexe du modèle. Le tableau avait donc mené une double vie, l'une de bouffon chasseur, l'autre de dieu antique, avant de redevenir ce que Bronzino avait peint près de cinq siècles plus tôt.
