Devant l'œuvre
Prenez le temps de tourner autour des deux chaires et de comparer : d'un côté la nuit de la Passion, de l'autre la lumière de la Résurrection. Approchez-vous des reliefs et cherchez les zones laissées rugueuses, à peine sorties du bronze : ce n'est pas un travail interrompu par hasard, c'est le style du dernier Donatello, qui sacrifie le fini au frémissement. Regardez comme les corps se pressent, comme les architectures se plient à l'émotion plutôt qu'à la perspective. Vous êtes devant un vieil homme qui, à soixante-dix ans passés, réinvente encore son art.
Éléments remarquables
Deux chaires de bronze se font face dans la nef de San Lorenzo, portées par des colonnes. Leurs parois sont couvertes de reliefs serrés, tumultueux : d'un côté la Passion (l'Agonie au jardin, le Christ devant Pilate et Caïphe, la Crucifixion, la Déploration, la Mise au tombeau), de l'autre les scènes de la Résurrection et de la vie du Christ ressuscité. Les figures s'entassent, débordent le cadre, gesticulent dans un espace dense. Par endroits le bronze reste à peine dégrossi, non poli : ce « non-finito » n'est pas un défaut mais la manière du vieux Donatello, une écriture heurtée, expressive, presque brutale.
Signification historique et artistique
C'est l'ultime chef-d'œuvre de Donatello, vieillard septuagénaire, revenu à Florence après ses années padouanes. Il abandonne l'élégance mesurée du premier Quattrocento pour une expressivité crue, pathétique, presque expressionniste avant la lettre : la douleur, la foule, le mouvement l'emportent sur l'équilibre. Les reliefs annoncent une liberté que la sculpture ne retrouvera qu'avec le maniérisme, voire bien plus tard. Restés inachevés à sa mort en 1466, ils furent complétés et montés par ses élèves.
Contexte économique, social et religieux
Donatello travailla aux deux chaires dans la dernière décennie de sa vie, après son retour de Padoue (1453), sans les achever avant sa mort en 1466. Les plaques de bronze inachevées furent trouvées dans son atelier ; ses collaborateurs Bertoldo di Giovanni et Bartolomeo Bellano les montèrent et complétèrent, puis l'ensemble fut assemblé en chaires plus tard encore. San Lorenzo était l'église des Médicis : Donatello, protégé de Cosme l'Ancien, y fut d'ailleurs enterré près de son mécène. Un restauro majeur des pergami s'est déroulé de 2011 à 2017.
Symbolisme & lecture iconographique
Les deux chaires forment un cycle : la mort et la victoire sur la mort, la Passion et la Résurrection se répondant d'un côté à l'autre de la nef, encadrant le fidèle. Le désordre apparent des compositions, l'entassement des figures, disent l'irruption du sacré dans l'humain, le tumulte du drame du salut. Le non-finito lui-même prend un sens : la matière brute, inachevée, comme une pensée saisie en train de se former, une spiritualité qui refuse le lisse et le décoratif.
Analyse des émotions
On est loin de la sérénité classique : ces reliefs bousculent, oppressent, émeuvent. La foule des corps, les gestes désespérés, l'ombre dense du bronze créent une tension presque douloureuse. On sent la main d'un vieil artiste qui n'a plus rien à prouver et qui va à l'essentiel de l'émotion, quitte à malmener la belle forme. Il y a là quelque chose de bouleversant : l'urgence d'un homme au soir de sa vie qui met tout son feu dans la matière, sans plus se soucier de plaire.
Secrets & mystères
- C'est la dernière œuvre de Donatello, laissée inachevée à sa mort en 1466.
- Le non-finito (bronze à peine dégrossi par endroits) est un choix de style, non un accident.
- Les plaques furent complétées et montées par ses élèves Bertoldo di Giovanni et Bartolomeo Bellano.
- Donatello est enterré à San Lorenzo, près de Cosme de Médicis.
- Un long restauro des chaires s'est achevé en 2017.
Le saviez-vous ?
Donatello, protégé de Cosme l'Ancien, aurait passé ses dernières années sous la protection des Médicis, qui lui assuraient de quoi vivre pour qu'il puisse travailler libre. La tradition veut qu'il ait été enterré, selon son vœu, tout près de la tombe de Cosme dans la crypte de San Lorenzo, l'église même où se dressent ses ultimes chaires : le sculpteur repose ainsi à quelques pas de son dernier chef-d'œuvre, inachevé comme une phrase laissée en suspens.
Le sculpteur
Donatello
v.1386-1466
Sculpteur
Donatello est le plus grand sculpteur du Quattrocento, celui qui a rouvert, à mains nues, la conversation avec l'Antiquité. Là où le Moyen Âge sculptait des figures pour orner l'architecture, lui rend au corps son poids, son souffle, sa présence. Ses prophètes du campanile de Florence ne posent pas : ils existent. Le plus célèbre, surnommé le « Zuccone » (la « grosse courge », pour son crâne chauve), fixe le vide avec une intensité si crue qu'on jurerait surprendre un homme réel saisi en pleine pensée. Son coup d'éclat, c'est le David en bronze réalisé pour les Médicis : le premier nu masculin autonome — sculpté pour lui-même, debout, libre de tout mur — depuis l'Antiquité. Un adolescent nonchalant, coiffé d'un chapeau de berger, le pied posé sur la tête de Goliath, d'une sensualité troublante qui a fait couler beaucoup d'encre. Rien de tel n'avait osé le jour depuis mille ans. Donatello ne copie pas les Anciens : il retrouve leur liberté et la pousse ailleurs. Il invente aussi une manière de sculpter le relief qu'on appelle le schiacciato, le relief « écrasé ». Sur une épaisseur de quelques millimètres à peine, il fait naître des perspectives, des lointains, des atmosphères — la profondeur devient affaire de lumière rasante autant que de matière. C'est un peintre qui travaillerait le marbre au ciseau, un ingénieur de l'illusion. Puis vient Padoue, et le Gattamelata : la statue équestre en bronze du condottiere Erasmo da Narni, première grande statue équestre de la Renaissance, ressuscitant un genre resté l'apanage des empereurs romains. Un homme, un cheval, coulés dans le bronze à échelle héroïque, plantés sur une place — Donatello y affirme qu'un capitaine moderne peut prétendre à la gloire des Césars. L'audace n'est pas seulement technique : elle est dans l'idée même.
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