Devant l'œuvre
Laissez d'abord la lumière vous atteindre, car c'est elle, avant toute chose, qui a rendu ce tableau célèbre dans toute l'Europe. On l'appelle « Le Jour ». Pourquoi ce nom ? Parce que le Corrège a peint un autre grand retable, aujourd'hui à Dresde, où la lumière divine jaillit du corps de l'Enfant en pleine nuit ; on l'a surnommé « La Nuit ». Alors, par contraste et par symétrie, celui-ci est devenu « Le Jour », tant il baigne dans une clarté dorée et chaude. Regardez comme cette lumière enveloppe tout, fond les contours, adoucit les visages et unifie la scène. Maintenant, identifions les personnages. Au centre, la Vierge et l'Enfant, bien sûr. À gauche, ce saint robuste, presque un colosse, qui tend un livre : c'est saint Jérôme, celui qui traduisit la Bible en latin ; un ange en tourne les pages. À droite, penchée tendrement sur l'Enfant, Marie-Madeleine, la pécheresse pardonnée, reconnaissable au petit vase de parfum qu'un angelot respire. Observez bien leurs gestes : personne ne reste raide ou solennel, personne ne pose. Ils s'inclinent, se touchent presque, se regardent avec affection. Le Corrège a transformé une image sainte en scène d'affection, de tendresse familiale, et c'était, à l'époque, une nouveauté, une vraie liberté par rapport aux saints bien alignés de la tradition. Admirez enfin le fondu des chairs, ce passage insensible de l'ombre à la lumière, qu'il a appris de Léonard mais qu'il a rendu plus doux, plus chaud encore. Pendant des siècles, les amateurs et les voyageurs ont tenu ce tableau pour l'un des plus parfaits qui soient. Il a même voyagé jusqu'à Paris au temps de Napoléon, avant de revenir à Parme, la ville du Corrège, où vous le voyez aujourd'hui.
Histoire de l'art — Contexte & Singularité
Le Jour appartient à la pleine maturité du Corrège, celle des grands retables parmesans et des décors de coupole qui firent sa gloire et révolutionnèrent la peinture murale. L'œuvre illustre sa contribution décisive à l'histoire de l'art : la dissolution du contour dans une lumière dorée et diffuse, un sfumato hérité de Léonard mais porté à une tendresse, une chaleur et un mouvement entièrement nouveaux. Par sa composition déliée et asymétrique, où les figures s'inclinent et se répondent dans un jeu d'affection et d'échange, elle renouvelle profondément le schéma de la sacra conversazione, trop souvent figé dans la symétrie, et annonce la souplesse dynamique de l'art à venir. La fortune critique du tableau fut considérable et durable : longtemps rangé parmi les plus hauts chefs-d'œuvre de la peinture italienne, cité dans les récits de voyage et les traités, il fut étudié et imité, et son coloris lumineux exerça une influence majeure sur les peintres des générations suivantes, notamment l'école bolonaise des Carrache et les maîtres du XVIIᵉ siècle sensibles à la grâce et au clair-obscur, tels Barocci ou Guido Reni, qui virent en lui un modèle. Le couple d'œuvres formé avec « La Nuit » de Dresde résume à lui seul l'art du Corrège comme peintre de la lumière, capable d'en explorer aussi bien l'éclat nocturne et surnaturel que la plénitude diurne et sereine. Parme fit de lui, par ces retables et ses coupoles audacieuses de San Giovanni Evangelista et de la cathédrale, l'un des foyers les plus novateurs et les plus influents de la peinture italienne du premier tiers du XVIᵉ siècle.
Symbolisme & lecture iconographique
L'iconographie associe la Vierge à l'Enfant à deux saints dont la présence conjointe est riche de sens et soigneusement pensée. Saint Jérôme, Père de l'Église et traducteur de la Bible en latin, présente sa Vulgate : il incarne la science sacrée, l'autorité des Écritures, l'étude savante et la pénitence de l'ermite retiré au désert. Son lion, qu'il aurait selon la légende apprivoisé en lui retirant une épine de la patte, est son attribut familier et le signe de la nature domptée par la sainteté. Marie-Madeleine, la pécheresse convertie devenue modèle de l'amour repentant et de la contemplation, se penche avec tendresse sur l'Enfant ; son vase d'onguent, dont un angelot respire le parfum, rappelle le baume précieux dont elle oignit les pieds du Christ, et symbolise à la fois son geste d'amour et l'embaumement à venir du corps du Sauveur. Les deux saints forment ainsi un couple parfaitement complémentaire : la science et l'amour, la parole et le cœur, la tête et les sens, la pénitence studieuse du savant et la pénitence aimante de la pécheresse, toutes deux également ordonnées à l'adoration du Christ enfant. L'ange qui feuillette le livre de Jérôme fait le lien visible entre le savoir humain et son origine divine, entre l'Écriture et le Verbe fait chair. Enfin, la lumière dorée qui baigne toute la scène n'est pas seulement un effet pictural séduisant : elle enveloppe le groupe sacré d'une clarté qui évoque la grâce, la joie et la présence divine, unifiant les figures dans une même aura de douceur bienheureuse et de lumière surnaturelle.
Analyse des émotions
L'œuvre respire la tendresse et la plénitude heureuse. La lumière dorée qui l'inonde produit d'emblée une sensation de chaleur, de douceur, presque de bonheur paisible et lumineux. Rien d'héroïque ni de sévère ici, aucune raideur : les figures s'inclinent les unes vers les autres, Marie-Madeleine pose sa joue contre la jambe de l'Enfant, et de ce réseau de gestes affectueux et spontanés naît une intimité touchante, celle d'une scène presque familiale, chaleureuse et simple. Le spectateur se sent enveloppé par cette clarté bienveillante, apaisé par la grâce des attitudes et le fondu délicat des chairs. C'est une émotion de pure suavité, sans drame ni tension, où la sainteté se dit en caresses, en inclinaisons tendres et en lumière diffuse. Cette douceur enveloppante explique l'enthousiasme sans réserve que l'œuvre suscita chez les amateurs d'autrefois, qui y voyaient l'image même de la grâce picturale.
Secrets & mystères
Le surnom de « Jour » n'est pas d'origine et ne figure sur aucun document ancien : il fut forgé plus tard, par symétrie et par opposition avec « La Nuit » de Dresde, pour désigner commodément le contraste de lumière entre les deux grands retables du Corrège. Le tableau connut par ailleurs une histoire mouvementée : compté parmi les gloires de Parme et l'un de ses tableaux les plus admirés, il fut, comme tant d'œuvres italiennes de premier plan, saisi lors des campagnes napoléoniennes et emmené à Paris, avant de regagner l'Italie après la chute de l'Empire. La datation, située entre 1525 et 1528, varie légèrement selon les sources et les auteurs, de même que la chronologie précise de la commande passée par une donatrice parmesane pour sa chapelle, dont les documents ne sont pas tous conservés. Ces aléas rappellent combien la fortune et la gloire d'un chef-d'œuvre se jouent aussi en dehors de l'atelier, au gré de l'histoire et des convoitises.
Le saviez-vous ?
Au temps de Napoléon, « Le Jour » fit partie des chefs-d'œuvre italiens saisis et conduits à Paris, tant sa réputation était grande et tant on tenait à le montrer parmi les trophées ; il ne regagna Parme qu'après la chute de l'Empire. La ferveur qu'il suscitait était telle que, durant des générations, voyageurs et connaisseurs le citaient parmi les tableaux les plus parfaits jamais peints, et les artistes venaient de loin étudier sa lumière dorée et son fondu comme on étudie un modèle insurpassable, à l'égal de la Nuit de Dresde, sa célèbre jumelle, à laquelle on l'opposait volontiers dans les discussions sur la lumière.
