Devant l'œuvre
Sachez d'abord une chose étonnante avant même de regarder le tableau : ce que l'on appelle le Retable des Décemvirs est aujourd'hui partagé entre deux villes différentes. Le grand panneau de la Vierge et des saints se trouve au Vatican, tandis que la petite Pietà qui le couronnait autrefois est restée ici, à Pérouse. C'est toute l'histoire mouvementée des œuvres de la Renaissance, démontées et dispersées au fil des siècles et des guerres. Venons-en maintenant au tableau lui-même. Au centre, la Vierge et l'Enfant, assis bien haut sur un piédestal qui les élève au-dessus de tous. De chaque côté, quatre saints, répartis deux par deux dans une symétrie presque parfaite. Cherchez parmi eux saint Herculan : c'est le patron de Pérouse, et sa présence n'est pas un hasard, car ce sont les magistrats de la ville, les fameux Décemvirs, qui ont commandé l'œuvre pour la chapelle de leur palais du gouvernement. Observez maintenant les visages : voyez comme ils sont doux, les yeux baissés, comme absorbés dans une pensée silencieuse. Remarquez l'espace clair, la lumière égale qui ne fait aucune ombre dure, ce grand calme qui se dégage de tout l'ensemble. C'est la marque du Pérugin, le peintre le plus demandé et le plus imité de son temps. Et retenez enfin ceci : c'est dans son atelier, devant des tableaux comme celui-ci, qu'un jeune garçon encore inconnu a appris son métier de peintre. Il s'appelait Raphaël. Une dernière chose avant de partir : il y a quelques années, pour une exposition, le grand panneau du Vatican et la petite Pietà de Pérouse ont été, le temps de quelques semaines, réunis. Après plus de deux siècles de séparation, le retable des Décemvirs s'est retrouvé entier, tel que le Pérugin l'avait voulu — un instant rare, puis chacun est reparti de son côté.
Histoire de l'art — Contexte & Singularité
Le Retable des Décemvirs appartient à la pleine maturité du Pérugin, dans les années 1490, lorsque sa formule de la sacra conversazione — sereine, symétrique, lumineuse et spacieuse — s'impose comme un modèle de référence dans toute l'Italie centrale et bien au-delà. L'œuvre résume les qualités qui firent la célébrité et la fortune du maître : l'ordonnance équilibrée de part et d'autre d'un axe, le vide respirant de l'espace, la douceur des visages idéalisés, la lumière limpide des horizons ombriens. Cette manière, répétée et déclinée dans d'innombrables retables sortis de son atelier florissant qui employait de nombreux collaborateurs, allait profondément marquer la génération suivante : c'est précisément dans l'atelier du Pérugin, et sur de tels prototypes classiques, que le très jeune Raphaël puisa ses premières compositions religieuses, avant de les dépasser et de révolutionner le genre. Le retable témoigne aussi de la fonction civique et politique de la peinture à la Renaissance : commandé par les magistrats de Pérouse pour la chapelle de leur propre palais du gouvernement, il associait étroitement la dévotion à l'affirmation de l'identité et de la fierté de la cité, à travers la présence de son saint patron Herculan. Le démembrement ultérieur de l'ensemble, finalement dispersé entre le Vatican et Pérouse, illustre enfin de façon exemplaire le destin souvent mouvementé des grands retables italiens, maintes fois démontés, sciés et dispersés au fil des siècles et des bouleversements politiques et religieux. Des expositions récentes ont toutefois rapproché pour un temps les deux fragments, offrant au public la rare occasion de revoir le retable tel qu'il fut conçu.
Symbolisme & lecture iconographique
L'œuvre relève du type iconographique de la sacra conversazione, cette mise en présence hors du temps de la Vierge et des saints réunis dans un même espace de recueillement silencieux, sans que se joue entre eux aucune action narrative ni aucun dialogue. La Vierge à l'Enfant, élevée sur un piédestal au-dessus des autres figures, occupe le centre comme le cœur même de la dévotion ; sa position surélevée marque visuellement sa dignité de Mère de Dieu et de reine du Ciel, au-dessus de la communauté des saints. Les quatre saints qui l'entourent ne sont pas choisis au hasard mais selon une logique à la fois religieuse et civique bien précise : saint Herculan, évêque et patron de Pérouse, inscrit le retable dans l'identité de la ville et de ses magistrats commanditaires ; saint Constance, autre protecteur local vénéré à Pérouse, renforce cet ancrage urbain ; saint Laurent, diacre et martyr reconnaissable à son gril, et saint Louis de Toulouse, jeune évêque franciscain issu du sang royal de Naples, complètent ce collège par des figures d'exemplarité chrétienne et de sainteté largement honorées. La symétrie rigoureuse et le calme profond de la composition traduisent plastiquement l'ordre, la paix et l'harmonie du monde divin, tandis que la lumière égale et sans ombre qui baigne toute la scène figure la clarté de la grâce répandue sur les élus. Chaque saint, par ses attributs reconnaissables, offrait au fidèle agenouillé dans la chapelle du palais un intercesseur identifiable vers qui tourner sa prière personnelle et celle de toute la cité.
Analyse des émotions
Le retable apaise plus qu'il n'émeut, et c'est précisément là son génie propre et sa fonction. La symétrie parfaite, les figures élancées aux visages doucement baissés, la lumière égale et sans ombre installent un sentiment de calme profond, presque de suspension du temps et du bruit du monde extérieur. Aucun geste brusque, aucune note discordante, aucune violence ni aucun pathos : les saints semblent chacun perdus dans une méditation intérieure, et cette quiétude contemplative gagne peu à peu le regard de celui qui s'arrête devant eux. On éprouve devant cette scène une sérénité reposante, l'impression d'entrer dans un espace préservé et clos où règnent sans partage l'ordre et la grâce. C'est l'émotion caractéristique et recherchée du Pérugin : non pas le drame ni le pathétique, mais la paix et la douceur offertes à la prière silencieuse.
Secrets & mystères
L'histoire matérielle de l'œuvre est en soi une énigme résolue mais spectaculaire, et très révélatrice du sort des chefs-d'œuvre italiens aux temps modernes. Le grand panneau fut enlevé sous la domination française à la fin du XVIIIᵉ siècle, transporté en France au titre des conquêtes artistiques de la Révolution et de l'Empire napoléonien, puis restitué à l'Italie en 1816 à la chute de l'Empire — mais au lieu de retrouver sa chapelle d'origine à Pérouse, il demeura au Vatican, séparé désormais pour toujours de la Pietà qui le surmontait et qui, elle, était restée dans sa ville d'origine. Cette dispersion, consommée malgré la restitution officielle, explique que le retable soit aujourd'hui partagé entre deux institutions distantes de plusieurs heures. La part éventuelle de l'atelier dans l'exécution d'une œuvre aussi vaste, ainsi que les circonstances précises et le coût exact de la commande par les Décemvirs, continuent par ailleurs de retenir l'attention des historiens de l'art ombrien.
Le saviez-vous ?
Comme tant de chefs-d'œuvre italiens, le grand panneau fut emporté en France à la fin du XVIIIᵉ siècle, lors des réquisitions révolutionnaires puis napoléoniennes qui vidèrent les églises et les palais de toute la péninsule de leurs trésors. Rendu à l'Italie en 1816, après la chute de l'Empire, il ne regagna pourtant jamais Pérouse : il entra dans les collections du Vatican, où il se trouve encore aujourd'hui, désormais séparé de la Pietà qui l'avait couronné pendant près de trois siècles et qui, elle, veille toujours sur sa ville natale de Pérouse, à quelques centaines de kilomètres de son ancien sommet resté à Rome.
