Devant l'œuvre
On commencera par le sujet : la Sainte Famille, en fuite vers l'Égypte pour échapper à Hérode, s'accorde ici une halte. Mais ce n'est pas la fuite que montre Altdorfer, c'est le repos, un moment de tendresse arraché au danger. On fera remarquer la Vierge assise dans un siège presque royal, Joseph qui lui tend une corbeille de cerises, et surtout cette extraordinaire fontaine Renaissance couverte de sculptures, autour de laquelle une nuée d'angelots s'ébat dans l'eau pendant que l'Enfant y plonge la main. On invitera ensuite à lever les yeux vers l'arrière-plan : le paysage s'ouvre en lointains bleutés, forêts et montagnes qui noient la scène dans la nature. C'est là tout Altdorfer, l'un des premiers peintres pour qui le paysage cesse d'être un simple fond pour devenir une présence enveloppante, chef de file de ce qu'on appelle l'école du Danube. On s'arrêtera sur un détail souvent négligé : la tablette de pierre au pied de la fontaine, qui porte une inscription latine. Par ces mots, le peintre dédie l'œuvre à la Vierge, « pour le salut de son âme », et la signe de son nom, en se disant peintre de Ratisbonne, avec la date de 1510. Cette dédicace votive est rare : elle transforme le tableau en offrande personnelle, un acte de piété autant qu'une œuvre d'art, ce qui est exceptionnel chez un artiste de ce temps. On pourra aussi s'attarder sur le symbole de l'eau : la fontaine renvoie à la légende d'une source jaillie pour désaltérer la Sainte Famille, et devient ainsi fontaine de vie. On rappellera pour finir qu'Altdorfer n'était pas seulement peintre, mais aussi architecte de sa ville, ce qui éclaire son goût manifeste pour cette fontaine ouvragée et pour les jeux d'architecture savante que l'on retrouve dans nombre de ses tableaux. On insistera, pour finir, sur la rareté de ce répit peint : un instant de tendresse arraché à un récit de péril, où le sacré se fait tout proche et presque familier.
Symbolisme & lecture iconographique
La fontaine, au centre du tableau, concentre le sens de l'œuvre. L'eau vive est de longue date un symbole de vie et de salut ; ici, elle renvoie à la légende selon laquelle une source aurait jailli pour désaltérer la Sainte Famille au cours de sa fuite. La fontaine devient ainsi « fontaine de vie », image du salut apporté par le Christ, autour de laquelle gravite toute la composition. Les cerises que Joseph présente à Marie appartiennent au répertoire marial : fruit souvent dit du paradis dans l'iconographie chrétienne, elles évoquent la douceur céleste et, par leur couleur rouge, peuvent annoncer la Passion à venir, mêlant la joie de l'Incarnation au pressentiment du sacrifice. La ronde des angelots jouant dans la vasque sacralise le lieu et transforme la halte en scène de grâce, où le ciel semble participer au repos de la Sainte Famille. Le sommet de la fontaine est orné de sculptures dont un groupe — un homme barbu et un enfant armé d'un arc — paraît emprunter au répertoire antique, dans le goût de la Renaissance, sans que sa signification précise soit établie ; ce voisinage du profane et du sacré traduit la culture nouvelle de l'artiste. Le siège presque trônal de la Vierge rappelle sa dignité de Reine du Ciel et de nouvelle Ève. Enfin, la dédicace latine gravée au pied de la fontaine inscrit l'œuvre dans une démarche votive : le peintre s'en remet à la Vierge « pour le salut de son âme », faisant du tableau une prière figurée autant qu'une image narrative. Le paysage enveloppant, lui, met la Création entière au service du mystère de l'Incarnation, selon la sensibilité de l'école du Danube.
Analyse des émotions
Le tableau dégage une douceur rare, celle d'une pause heureuse arrachée à un récit de fuite et de péril. L'émotion naît d'abord du contraste : on sait la Sainte Famille menacée, et pourtant tout respire ici le calme, le jeu, la tendresse familiale. Les angelots qui s'ébattent dans la fontaine et l'Enfant qui tend la main vers l'eau introduisent une note d'enfance et d'insouciance qui attendrit la scène et apaise le regard. Le geste de Joseph offrant des cerises dit la sollicitude et l'intimité du groupe. L'ampleur du paysage, en lointains bleutés, enveloppe les figures d'une sérénité presque berçante, comme si la nature entière veillait sur ce repos. Mais la dédicace votive, discrètement gravée, charge l'ensemble d'une gravité sous-jacente : derrière la grâce du moment affleure la prière d'un homme soucieux du salut de son âme.
Secrets & mystères
Le détail le plus remarquable du panneau est l'inscription latine portée par une tablette de pierre, au pied de la fontaine : une dédicace par laquelle Altdorfer consacre l'œuvre à la Vierge pour le salut de son âme, datée 1510 et accompagnée de son monogramme. Un tel ex-voto peint, acte de dévotion personnelle explicite émanant de l'artiste lui-même, est rare pour l'époque et donne au tableau une dimension intime exceptionnelle. Le décor sculpté de la fontaine recèle une énigme : à son sommet, un groupe figurant un homme barbu et un jeune garçon tendant un arc semble se rattacher à la mythologie antique, mais sa signification exacte demeure discutée et n'est pas clairement élucidée. Ce mélange, au sein d'une scène sacrée, d'une ornementation d'inspiration profane et classicisante témoigne de la curiosité d'Altdorfer pour le vocabulaire de la Renaissance, qu'il adapte librement à sa fantaisie et à son métier d'architecte.
Le saviez-vous ?
Au pied de la fontaine, Altdorfer a gravé en latin une dédicace de sa propre main : il y offre le tableau à la Vierge « pour le salut de son âme, d'un cœur fidèle », se présente comme peintre de Ratisbonne et appose la date de 1510. Peu d'artistes de son temps ont ainsi transformé une œuvre en ex-voto personnel, signé et daté. Ce geste éclaire un trait constant de l'homme : Altdorfer signait et datait chacune de ses productions, pratique encore peu répandue au nord des Alpes, et il tenait à son enracinement dans sa ville, Ratisbonne, dont il devint architecte et conseiller municipal.
